Vous êtes fan de dessin animé ? Vous dessinez depuis votre plus jeune âge ? Ou peut-être que vous venez juste de commencer et que vous êtes plutôt doué pour ça !
Une carrière de scénariste est difficile à obtenir, mais si c’est ce que vous voulez faire, vous ne devriez rien laisser vous arrêter. Ce dossier spécial sur ce métier du dessin animé jette un coup d’œil dans les coulisses de ce que fait réellement un artiste de storyboarding.
Qu’est-ce qu’un storyboarder ?
Un scénariste est quelqu’un qui prend un scénario (ou simplement un concept) et transforme les mots en une histoire visuelle.
C’est un rôle important parce que les scénaristes ont le contrôle de la façon dont les autres perçoivent le projet. Tous les membres de l’équipe de production ou de développement examinent les storyboards à titre de référence. La clarté des conseils est importante. Il en est de même de l’énergie et des émotions à transmettre dans les vignettes du storyboard.
Et le scénariste doit tout transmettre, des gestes à l’émotion, avec un minimum (ou pas) de mots ou de dialogues. Ce sont d’excellents communicateurs visuels et ils constituent un élément important pour une équipe, que ce soit pour les dessin animés mais pour les jeux vidéo, les films, les émissions de télévision et d’autres formes de narration visuelle.
Que fait l’artiste scénariste de dessin animé ?
Les scénaristes dessinent des scènes expliquant l’histoire. Ce sont des conteurs visuels. Ils n’ont pas besoin de beaucoup de mots ou de dialogues pour raconter l’histoire. Les méthodes utilisées par les scénaristes varient d’un artiste à l’autre. Dans de nombreux cas, le reste de l’équipe de production ou de développement influencera également les méthodes du scénariste.
S’il y a plus d’un scénariste dans une équipe, il n’est pas rare qu’un artiste imite le style de l’autre. L’uniformité des storyboards aide à maintenir la clarté du projet.
Pour les projets de dessins animés, le style peut influencer la façon dont un scénariste interprète des scènes. C’est bien d’avoir son propre style (tant que la clarté n’est pas sacrifiée), mais la flexibilité au sein d’une équipe est aussi très importante.
D’une certaine façon, les scénaristes dessinent une bande dessinée. En plus de visualiser des scènes, l’artiste du storyboard devra décrire le mouvement de la caméra.
Selon vos préférences, vous pouvez visualiser des scènes sur l’ordinateur ou à la main. Un rendu numérique pourrait faciliter le partage, mais il y a quelque chose à dire à propos de l’utilisation d’un stylo et du papier.
Bien que la plupart des travaux que vous ferez comportent des dessins, il y a de la place pour le texte. Les descriptions techniques ont leur place. En fin de compte, le storyboard devrait montrer clairement ce qui se passe. Cela signifie parfois qu’il faut utiliser du texte pour expliquer les détails, ou qu’il faut énumérer les détails d’un point de vue technique.
Le storyboarding est essentiellement une esquisse avant le produit fini qui permet à l’artiste d’être créatif sans aucune limite. C’est dans cette phase d’esquisse qu’un artiste peut explorer de nombreux concepts, thèmes, environnements et outils de narration différents tout en transmettant son idée à l’équipe. Il est beaucoup plus facile et rentable d’apporter des changements à un scénario simple avant de consacrer du temps et des ressources précieuses à une idée.
Les scénaristes sont souvent chargés de « présenter » au réalisateur d’un dessin animé. C’est le moment de laisser transparaître votre enthousiasme pour votre travail. Vous avez pris un concept ou un scénario et l’avez transformé en un chef-d’œuvre visuel brut. C’est dans votre pitch que vous donnez vie à vos visuels. Vous guidez le réalisateur (ou qui que ce soit d’autre) tout au long de l’histoire, en racontant et en décrivant chacune des vignettes.
Cela peut impliquer des effets sonores (boom). Vos dessins devraient parler d’eux-mêmes !
Vous devez emmener le lecteur du storyboard dans l’histoire et le garder jusqu’au bout. Vous vendez votre interprétation visuelle, donc votre rythme et vos feront la différence. Dans certains cas, vos storyboards inspireront l’équipe des dessinateurs et des animateurs à élargir un peu plus une partie du scénario.
Vous faites plus que simplement visualiser les idées des autres, vous inspirez leur créativité à votre tour.
Comment faire un bon CV de scénariste ou de storyboarder
Vous vous demandez peut-être quelle devrait être la longueur de votre portfolio ? 15 à 20 pages devraient suffir. La clarté est la chose la plus importante.
Pourquoi ne pas aller au studio avec toutes les planches que vous avez dessinées ? C’est simple. Personne n’a le temps de passer en revue ce que vous avez créés au cours des 15 dernières années, car vous avez développé vos compétences pendant votre temps libre.
Choisissez des projets qui mettent vraiment en valeur ce que vous pouvez faire. Ça veut dire que vous devriez être sélectif. N’obligez pas votre examinateur à travailler dur pour trouver vos points forts. Émerveillez-le rapidement et montrez-lui que vous êtes bon dans ce que vous faites – n’incluez que votre meilleur travail.
Tenir un journal de bord ou un carnet de notes avec vous n’est pas une mauvaise idée. La prochaine fois qu’il vous arrive quelque chose d’étrange, vous serez prêt à l’enregistrer. Ce genre de détail peut faire la différence.
Enfin, si vous avez un site internet ou une page sur les réseaux sociaux, n’hésitez pas à votre futur employeur de lui montrer. En général, il appréciera de voir le travail personnel – quelque chose que vous avez créé vous-même ou que vous avez vécu dans votre vie.
Comment faire de vous un bon artiste de storyboard ?
Il existe un certain nombre d’outils sur le web qui peuvent vous aider. Il faut donc plonger ses mains dans la multitude de pages vous proposant les meilleurs équipements et logiciels de travail. Nous vous en proposerons prochainement.
Mais l’outil ne fait pas l’artiste car de très bonnes compétences en dessin sont importantes. Vos storyboards doivent transmettre clairement une scène. Vous devrez illustrer les émotions et les gestes des personnages.
Vous devriez dessiner tout le temps. Les meilleurs emplois sont les plus compétitifs. Votre emploi de rêve est aussi celui d’une autre personne. Et vous pouvez parier que vos concurrents qui veulent ce travail, dessinent tous les jours.
Il faut travailler plus dur que ses concurrents, ce qui signifie qu’il faut dessiner chaque fois qu’on en a l’occasion. Vous pouvez absolument le faire, mais pas si vous ne perfectionnez pas vos talents de dessinateur. Relevez un défi comme « dessiner tous les jours » sur votre page de réseaux sociaux. Capturez ce qui vous arrive au déjeuner aujourd’hui. Faites un storyboard de ce rêve fou que vous avez fait la nuit dernière.
Vous dessinerez ce que la « caméra » verrait (pensez juste que les films d’animation ne sont pas filmés avec une caméra, mais ils ont toujours cette perspective). Ce qu’un appareil photo voit et ce que votre œil perçoit sont deux choses très différentes, vous devrez donc comprendre la différence.
Il existe d’autres limites et pratiques utilisées dans l’industrie du cinéma comme, notamment, la règle des 180 degrés qui est une règle qui maintient le spectateur correctement orienté dans la scène. Fondamentalement, quand vous installez votre scène, vous avez une ligne droite au milieu de celle-ci. Pour chaque prise de vue dans cette scène, la perspective de votre caméra doit être du même côté de cette ligne.
Inspirez vous de l’art, du théâtre, du cinéma ou de la photographie. Chaque discipline créatrice vous rendra plus à l’aise en tant qu’artiste scénariste.
Comment obtenir un emploi ?
Votre meilleure chance si vous êtes à l’école est de chercher des stages. Postulez pour les grands studios, mais postulez aussi pour les petits studios. Plus vous aurez de représentants, plus vous aurez de chances de décrocher un poste.
Si vous êtes à la recherche d’un emploi d’entrée de gamme (en n’ayant aucune formation), alors votre portfolio doit être d’excellente qualité. Les cours et les ateliers peuvent vous aider à apprendre l’aspect technique du métier et à perfectionner vos compétences.
Vous devriez bâtir un portfolio qui démontre votre capacité à raconter visuellement une grande histoire. Vous l’avez probablement remarqué, mais vous devez être un excellent dessinateur.
Comme beaucoup d’emplois dans l’industrie du divertissement, il faut se préparer à beaucoup de choses. La persévérance et un portfolio solides seront les clés du succès. Dans un grand studio, vous ne trouverez probablement pas de postes d’artiste scénariste d’entrée de gamme. Si vous avez de l’expérience en storyboarding, vous aurez de meilleures chances d’être embauché directement.
Les plus petits studios compteront sur leurs animateurs pour les aider à créer des storyboards. Vous aurez plus de responsabilités, mais des projets plus petits ou des projets indépendants vous permettront de développer davantage vos compétences. Cette expérience peut être extrêmement utile, en particulier pour préparer votre candidature pour des studios plus grands.
Compétences et culture générale
La connaissance du film et de l’animation (au sens large) sont des éléments importants du storyboarding. Si vous êtes un fervent consommateur de ces médias numériques, vous avez peut-être une compréhension intuitive des dessins animés. Mais apprendre le « pourquoi » qui se cache derrière est toujours important.
Vous devriez vous y connaître en interprétation, mise en scène, composition de prises de vue tout en développant une bonne maîtrise du dessin. Votre but en tant qu’artiste de storyboard est de communiquer clairement l’histoire à l’aide de visuels. Cela signifie que vous devez être un artiste accompli. Les studios recherchent des storyboards bien dessinés. Ils veulent des vignettes qui communiquent clairement des détails subtils, comme des gestes ou des expressions.
Et quand il s’agit d’expressions et d’émotions, essayez d’en couvrir autant que possible. Les histoires contiennent beaucoup d’émotions. Dessiner uniquement des planches humoristiques laissera beaucoup de questions sans réponse pour les évaluateurs qui regarderont votre portfolio. Assurez-vous d’inclure d’autres éléments, comme des scènes tristes et chargées d’émotion ou des scènes d’action palpitantes.
Vous aurez besoin d’être un collaborateur. Surtout si vous voulez travailler en studio. Si vous cherchez à apprendre le storyboard pour le plaisir, la collaboration n’est pas une nécessité pour ce projet.
Mais dans presque tous les autres contextes, vous travaillerez en étroite collaboration avec les autres membres de l’équipe.
Quelques défis potentiels pour un storyborder
Toutes les idées n’étant pas parfaites, vous serez donc être prêt à accepter les critiques. Absorber le feedback et l’utiliser pour faire quelque chose de meilleur. Il y aura beaucoup de fois où les membres de l’équipe n’aimeront pas certaines parties de votre storyboard.
Vous devrez peut-être retravailler des scènes encore et encore, en combinant différents éléments des itérations jusqu’à ce que vous ayez finalement ce que l’équipe recherche.
Vous avez vraiment besoin d’avoir cette flexibilité d’esprit. Le storyboard est une tâche « difficile ». Il doit être à la fois « fini » et malléable. C’est une chose évolutive. Cela peut changer au fur et à mesure que les animateurs font leurs planches.
Il y a aussi une certaine pression derrière le storyboard. Les scénarios peuvent impliquer des investisseurs, des producteurs exécutifs et d’autres décideurs. Ce qui n’est pas sans responsabilité, puisque vous êtes la source de l’idée originale.
C’est un manteau lourd à porter ! Mais si vous êtes passionné par ce que vous faites, cela peut aussi être extrêmement gratifiant.
